Un cocktail de musiques du terroir africain, exécutées en chœur a cappella, merveilleusement inspirées de la polyrythmie et des airs vodoun.

Spectacle fascinant intégrant des sonorités de la savane et du littoral camerounais.

Dans la musique de Korongo Jam, en fait un mélange des rythmes côtiers mêlés aux tonalités multiples, se brassent l'univers marin - celui des pêcheurs - et les éléments de la faune continentale, mâtinés d'un zeste de makosa et de bikutsi. Le tout servi par un chant solo sensuel, mais esthétiquement soigné, qui renvoie à l'espace, à la nature, et tout naturellement, à l'immense réservoir émotionnel du Cameroun profond.

Korongo Jam est, en plus, une véritable "machine à spectacle" dont la gestuelle souveraine, originale, nullement futile, de ses musiciens attestent d'un travail de ressourcement qui consacre la communion de la démarche du groupe avec les esprits tutélaires de son village d'origine.

Pour l'essentiel, on notera que le choix du sanaga, comme langue de ce chant côtier, est en rapport intime avec les réalités de ces petits villages agglomérés du littoral où les levers et les couchers du soleil incitent à la vénération, où l'on vend et achète le manioc, la saule (ce poisson-roi servi avec la patte de manioc, miondo) et le pili-pili (poivre d'Afrique Centrale) saucent tout autant la musique que la vie paisible des paysans.

Le regard du spectateur s'attardera davantage sur Eric Aliana, le leader du groupe, jeune et dynamique meneur d'une" band" en quête d'affirmation. Sa voix pagaie, défiant toutes les houles de la mer, au-dessus d'une orchestration sirupeuse, en touches parfois élégiaques, mais plus dansante.

Macase est d'abord une sonorité, puis un mélange de percussifs et de soufflants. Cet assemblage de syllabes évoque la nostalgie du voyageur appelé à quitter la terre de ses origines afin de se lancer à la conquête de l'inconnu et de rencontrer la différence de l'autre qui serait fondatrice d'une naissance nouvelle.

Autour de ce concept musical pluriel qui puise dans le patrimoine de l'humanité se dévoilent les nouveaux espoirs de la musique camerounaise : Corrine Denguemo dite "Looïse Corry" , la "tigresse" de Yaoundé et le lead-vocal Henry Georges Okala, soutenus par un line-up de tonnerre avec Roger Dubois Minka, à la guitare électrique et acoustique ; Paul Serges Abdoulaye Maboma, à la basse ; Ruben Kwamé Binam, au piano acoustique et synthé.

Des fleurs d'espoir pour un futur des plus rassurants.

Ottou Marcellin fait partie de la "caste" des chanteurs à "textes" du Cameroun. Enfant de Yaoundé, la muse de sa jeunesse, Ottou est un de ces musiciens africains qui ont en horreur des bidouilles électroniques aux effets métronomiques. Sa musique est celle du cœur destinée au cœur de l'auditeur. Seul compte pour lui ce sens inné de mélodies et cet appétit dévorant du verbe. L'ensemble de ses textes regorgent une candeur et une profondeur certaines ouvertes à un imaginaire incandescent.

Donny Elwood, Cyril Efala, purs condisciples de métier, partagent son ascendance spirituelle. Venu du monde des "chansonniers" où le langage fleuri et la rigueur de l'écriture cohabitent sur une même toile sonore, peinte à l'aquarelle, l'artiste et sa guitare acoustique, complices jusque dans les plus intimes des secrets du cœur, s'enrubannent d'une tendresse de texte qui vibre au contact de toute oreille sensible.

On ne pourra de toute façon que reconnaître la main d'un maître de poésie lorsqu'en ciselant ses mots, il ouvre, béat, son cœur :

"Petite Colombe

Beau à pleurer. De cette touche d'écriture découle une mosaïque de sensations qui ne peut que trouver refuge dans la beauté. La beauté de la fille de son cœur, la beauté de la rime :

Ici éclate tout le métier de parolier du cœur d'un artiste confirmé couronné par multiples récompenses : Découverte RFI 82, Prix Sacem, Prix Spécial EYADEMA, Prix du Festival de Spa…

Bien au-delà du tohu-bohu habituel des airs Dombolo d'Afrique Centrale, voici une "symphonie naturelle". Un orchestre de la jungle ? C'est tout comme.

Ludovic Pasteur Goma Yantsoma, son initiateur, nous gratifie ici d'une démarche créatrice alliée à la frénésie des rythmes africains dans l'instant de la "composition spontanée" dont elle participe.

Dans cet enchevêtrement de petites âmes sonores, de la flore et de la faune africaines, transposées sur scène se reflètent une certaine authenticité conquérante et une dynamique créatrice qui sollicitent du coup l'éveil des repères d'identification dans le tréfonds de l'imaginaire bantou saisi à la racine même de l'être.

Yela-Wa, est une invitation à l'écoute du cœur de l'Afrique.

Plus qu'un orchestre, le "Chœur Attoungblan" est une véritable tribu. Une tribu dont Boni est en même temps le fondateur et le fils aîné. Une tribu qui est aussi une source à laquelle le talent de chacun s'abreuve et se renforce avant de prendre son envol.

Au "Choeur Attoungblan", les voix d'hommes se mêlent à celles des tambours et des instruments modernes, et les corps se mettent au service de ces voix et de leur poésie.

Tout leur art se résumerait mieux dans cet équilibre gracile des harmonies, dans ce joyeux zouglou bourré d'anecdotes, racontant des histoires humblement quotidiennes teintées d'humour et de nouchi (cet argot savoureux d'Abidjan, son épice de base). Dans cette ambiance survoltée, des voix mâles entrelacées - visiblement en quête d'une consécration supra nationale qu'elles mériteraient tant - n'ont pas fini de taquiner les plus transi des mélomanes. Allez ! Bougez !…

L'ambiance qu'engendre Magic System est l'exemple même de l'appropriation populaire d'un style de musique - certes à résonance "variété" - débarrassé cependant de toute velléité académiste. Une ambiance imaginée rien que pour la fête, envoyant valser les humeurs chagrines sur les planètes orphelines du goût de la fête .

Du reggae au MASA ! Qui l'eut cru ? Ce choix (exceptionnel !) procède d'une exigence : l'originalité et la qualité de l'artiste.

Ce rastaman, comme on en trouve partout dans les périphéries des métropoles bordéliques, est sorti d'un cru particulier : il porte en lui des cultures imbriquées (de la Côte d'Ivoire, en passant par le Sénégal, jusqu'au Mali) ; il parle autant qu'il chante, Malinké, Bambara, Dioula… Il chante donc, dans un style cuisiné à la sauce "kédjénou" par les grands "chefs" du reggae (ses complices de tous les jours Georges Kouakou, Wurrie Moctarr , Cheik Tidiane Seck et les "Cuivres" de Salif Kéïta) le destin des déracinés de la société, l'avenir incertain des "sans-voix", la "zoocivilisation" face à ses appétits cannibales et les espoirs de Rédemption pour ceux que le destin a placé sur le droit chemin.

Du mélange des styles "funk" et "smurf" de ses années de jeunesse (70), il en a sorti aujourd'hui un reggae qui résonne certes Alpha Blondy, dans les accents, mais qui décoiffent par sa thématique "pédagogique" et compatissante.

Avec sa voix candide, lui, l'enfant du ghetto, s'assigne la mission de dénoncer les méfaits de la polygamie ("Faden Kélé"), les dérives des jeunes d'Abidjan ("Abidjan Sigui"), les mirages du showbiz, ("Magouille Production"), de fustiger la politicaille ("Babylon Hypocrite"), et aussi pourquoi pas, d'encenser les cultivateurs ("Séné"), ces pères-nourriciers de nos villages.

Ce reggae-là exalte les valeurs de l'humanité à travers les paroles d'un homme débout que rien ne peut abattre.

Abayazid est originaire de Djibouti, pays chaud et sec de la Corne de l'Afrique ; pays de hautes montagnes et de désert.

Accompagné d'une guitare acoustique et d'une percussion discrète, Mohamed Ali Mohamed dit Abayazid, le griot de Djibouti, chante en langue Afar la vie de tous les jours dans un style qui s'éloigne à peine de la relecture faussement moderniste du répertoire ancestral.

Ce chanteur du cœur est doté d'une voix de mâle portée par un groove afro-arabe, allègre et décapante, qui semble tutoyer le soleil dans une intimité qui confine à la plus extrême jubilation.

Dirigées par Intesar Abdel Fattha, avec l'aide de Mohieddine Al Shérif, expert de la culture nubienne, Sélime Chaarawi, maître dans l'art du rythme, les Percussions de Nubie forment un creuset essentiel, sinon la première troupe nubienne spécialisée dans les rythmes et nuances des sons de tambours inspirés de la Nubie antique, elle-même héritière d'un vieux et riche folklore ayant subi diverses influences méditerranéennes.

C'est cette pureté d'expression qui se dégage d'une orchestration fluide, vitalisée par les percussions d'un âge, dirait-on, révolu, mais combien actuel, rayonnant de fraîcheur. Là est la mémoire de l'Egypte ancienne qui vient à la rencontre des cultures subsahariennes , à la recherche d'une âme culturelle sœur.

Trio Lakomenza est un groupe de musiciens fondé à Djibouti en 1997. Avant d'arriver dans ce no man's land de l'Est africain, les trois principaux musiciens de ce groupe ont longtemps joué au sein des grands ensembles folkloriques appelés "Kébélé", sorte d'associations urbaines dont la fréquentation était devenue quasiment incontournable pour les artistes à l'époque du Derg (régime de terreur communiste). Dignes héritiers de la tradition des Azmaris (ménestrels éthiopiens), ils ont commencé à apprendre par cœur le répertoire des chansons les plus connus du public des cabarets populaires d'Addis Abeba qu'on appelle "Azmari bet" (littéralement, maison des griots). En 1998, le travail au studio Le Palmier En Zique de l'association Adagio à Djibouti débouche sur la création d'un répertoire de chansons originales qui classe définitivement ce groupe dans l'avant-garde de la musique éthiopienne d'inspiration traditionnelle. S'inspirant des styles ancestraux (bati, tizita, ambassel), Trio Lakomenza n'en est pas moins influencé par quelques grands noms du show-business abyssin comme Aster Aweke, Mahmoud Ahmed ou encore Tilahoun Gessesse.

Que l'on ne s'y trompe pas : Hirut (chant), Bogalé (Krar) et Jalude (Kébéro) bien que passés maîtres dans l'interprétation d'une musique séculaire, ne sont pas des Azmari au sens strict du terme (l'azmari a pour fonction première de bousculer les tabous et les idées reçues en codant aussi finement que possible tout ce qu'il chante ; c'est l'art de la dérision et du double sens). Leurs chansons écrites essentiellement en amharique (langue nationale) nous parlent avant tout des problèmes de la vie quotidienne, d'amour et de liberté.

Les tempos rapides et complexes du kébéro (percussions), les mélodies accrocheuses et irrésistibles du krar (sorte de lyre à cordes frottées), la voix aussi mystérieuse qu'envoûtante de Hirut font de ce trio une machine solide et éprouvée.

Ses textes élitistes, exorcistes à souhait, sont de toute beauté ; ils brassent voix solo et chœur de femmes, chants de savane et chants de forêt, pour s'incarner dans une faune sonore qui se veut à la fin incantation, rêve d'un monde juste, servie par une approche musicale subtile, à l'interface de la tradition et de la modernité, semant les germes d'une création novatrice totalement éclatée.

On se surprend soudain, à voguer sous l'emprise d'un langage musical sans fioritures, net, authentique, réfractaire à l'hypocrisie, où cohabitent dans un parfait équilibre, tambours d'eau et arc musical, guitares électriques et acoustiques. Cette ambiance de village et de la ville mêlés est épicée par ce grain de sel et de poivre que l'on goûte sans en perdre l'arrière goût piquant dans l'émerveillement de ses œuvres maîtresses : "Awana Africa", "Silence", "Espoir à Soweto", "Maladalité"…

Créé en 1998, le groupe Cassiya tire son nom de Cassi, un faubourg de Port-Louis (Capitale de l'île). Il fut révélé au grand public en 1993, grâce à la cassette "zenfants perdi semé". Raz-de-marée ! Sa tête d'affiche, Désiré François, fut, en 1993, lauréat du concours "Star Show 93" organisé par la télévision locale (MBC). Il fut proclamé ensuite "groupe de l'année" en 1994. Depuis, Cassiya vole de succès en succès autour d'un concept "séga" enrichi d'une variété de motifs mélodiques qui s'imposent par une inspiration sincère ("Ici cote nou été", 1995, "Naryé la efasé", 1997).

Les vocalises fraîches et lancinantes, parfois toniques, de ses chanteurs ont le pouvoir d'épicer à la sauce créole une musique faite pour bercer le cœur. Et aussi, pour faire danser.

Au choc qu'il a ressenti à son début au Gril du Rova (le music hall principal de Tana) quand un autre artiste connu a qualifié un jour sa musique de sauvage, succède aujourd'hui un succès fou. Crooner à sa manière, Lego est un vrai volcan sur scène. Sa musique déménage et son background assure. Feux d'artifices !

L'enfant de Ananalava est sorti de sa coquille de "griot malgache" pour escalader, à son tour, les hautes marches de la gloire. Il figurera sans doute parmi les révélations du MASA 2001.

Créé en 1990, le groupe (composé de sept membres dont trois filles et quatre garçons) est maître d'un spectacle chaleureux, émouvant et coloré, ramant hors du temps.