Les tambours d'eau accompagnent à la mort, l'arc musical appelle à la vie, la grosse calebasse bat : le musicien joue en harmonie intime avec les trois danseurs, qui incarnent les esclaves, ces frères du passé que les marchands blancs ont christianisés et arrachés à jamais de l'Afrique, la terre mère .

A la force douloureuse des corps immobiles ainsi que des statues, des corps qui expriment les souffrances des Africains vendus comme des biens mobiliers, se tissent les mouvements et les figures de la puissance du travail. Chaque danseur possède son parcours (en rappel de la séparation forcée des esclaves parlant la même langue) et ensemble, ils racontent le transfert dans les cales de bateaux insalubres, les conditions de survie inhumaines ; les cadavres jetés dans l'océan comme des ordures, le travail épuisant dans les plantations, les coups de fouet, l'interdiction de garder toute trace de l'Afrique.

Dans l'émerveillement des crépitements des tam-tams, dans l'ombre du chaos originel, se meut en s'épanouissant, comme les pétales d'une fleur , âme, esprit, puis un corps d'homme… se dessine aussitôt à travers une gestuelle fluide, comme dans un liquide, l'être primordial, à l'origine de l'homme.

Cette danse contemporaine sur trois tableaux, servie par un jeu de lumières méticuleusement élaboré, sous les allures d'une quête de l'humanité, se veut une écriture chorégraphique à trois tiroirs : du mystère de l'Architecte de l'humanité (cet Etre condescendant, anonyme), en transitant par ses "mains invisibles", qui accouche de L'hoé accompagné aussitôt de sa lente maturation, se consacre, au final, le triomphe de l'Invisible Créateur dont le souffle vivifie tout homme créé à son image et qui devient le nouveau maître de l'humanité.

Deux danseuses en scène (Zinaïda Makirda du Cameroun et Klohouon Nessémon de Côte d'Ivoire) et une flûte traditionnelle.

Quand le rythme se fait complice du silence et du mouvement qui vient entraîner le moment qui passe, il restera la trace de ces êtres et des choses qui déjà ne sont plus ce qu'elles étaient. Car, complice du silence. Suspendons-nous le temps ?

Le son de la flûte synchronisé par les mouvements nous accompagne dans un voyage muet. S'ensuit une chorégraphie dont l'harmonie gestuelle nous montre l'amour entre le corps et la conscience. Les différentes séquences nous entraînent dans une lutte intérieure, le combat que mène chaque danseuse sur scène incarne la supplication. Pouvons-nous encore jouir de ses sons qui s'éloignent, on ne sait où ? Le corps a-t-il rejoint la conscience ?

Quand la danse devient sensation, incantation, thérapie… le spectateur n'a qu'un choix à faire : se laisser entraîner dans la nuée d'une expression corporelle à la limite du beau, de l'émotion et du rêve, séduit sans doute par ce langage audacieux, révolutionnaire et épuré, qui se déploie dans un espace sans concession.

Les danseurs vident leurs corps de toutes les souffrances qui les habitent, la scène devient le lieu de réconciliation de soi avec soi, des unes et des autres.

La texture chorégraphique dont la résonance poétique est, ici, des plus belles participe d'une quête essentielle : restituer à la jeunesse sa béatitude perdue .

"Monné", c'est tout compte fait, le cri de désespoir d'une jeunesse pour qui rien ne peut remplacer la paix. En période de guerre ce sont les pères qui enterrent les fils, alors qu'en période de paix ce sont les fils qui enterrent les pères. La paix ! A tout prix, la paix !

"Monné" : un éclair de lucidité dans un monde à la limite de la schizophrénie.

Plusieurs corps forment un seul : il est temps d'exprimer ce qu'on avait ressenti. Ton corps est, en effet, une caisse qui résonne…

Ame et Esprit engendrent l'Amour. La force naquit de cet amour qui guide vers ce qui est TOI, A TOI.

Plusieurs corps forment un seul pour bâtir la vie. Cette vie qui se présente comme une grande porte qui s'ouvre et qui se referme pour garder les angoisses qui nous entourent.